Dos ciudades enfrentadas, dos hermanas, intereses políticos y económicos, luchas de poder, ciencia y magia. Todo ello agitado pero no revuelto da como resultado una historia cuya narrativa nos sorprende capítulo a capítulo.
Arcane es una serie animada del estudio Riot Games y producida por Netflix, cuya historia está basada en el universo del famoso juego League Of Legends (LOL para los entendidos).
Desconocía la magnitud de ese universo y buceando en la página oficial he podido descubrir lo rico y detallado que es, lo que da pie a que si la serie funciona, como parece que lo ha hecho, tengamos series basadas en LOL para muuuuuucho tiempo (Y yo que me alegro, porque Arcane me ha sorprendido muy mucho y te deja con ganas de mucho más).
Con un guión muy cuidado que equilibra el interés sobre los diferentes personajes, giros que te dejan sobrecogido y desconcertado, una animación preciosista, original y con un grado de detalle excepcional, Arcane en esta primera temporada sienta las bases para convertirse en una serie de culto.
En el plano musical hay que decir que la banda sonora no se queda atrás, ambientando a la perfección el luminoso mundo retrofuturista de progreso de Piltóver y la oscuridad suburbana y decadente de Zaun.
De toda las composiciones realizadas para acompañar a la historia, que no son pocas, destaca "Enemy". Un cañero y pegadizo tema creado por Imagine Dragons junto al rapero JID que podemos escuchar en la cabecera introductoria de la serie.
Pero esta no es la primera colaboración de Imagine Dragons con Riot Games, pues ya trabajaron con este estudio para componer "Warrior", tema que serviría en 2014 como fondo musical a la presentación de "League Of Legends: World Championship".
Hasta aquí la entrada de hoy. Si queréis saber más sobre esta producción os recomiendo visitar la Web oficial de Arcane .
V de Vendetta da mucho juego, así que voy a contaros un puñado de curiosidades relacionadas con su historia. La película se basa en un conjunto de 10 cómic books escritos por Alan Moore y dibujados por David Lloyd, siendo éste último el que dio a V la apariencia de Guy Fawkes. El título de la historia no se le ocurrió ni a Moore ni a Lloyd sino a un socio del editor Dez Skinn, llamado Graham Marsh.
Las primeras entregas del cómic se publicaron entre 1982 y 1985 en blanco y negro en la revista Warrior.
Al cierre de esta, fue DC la que en 1988 brindó la posibilidad de publicar la obra completa a color tal y como la conocemos actualmente.
En la novela gráfica abundan los juegos de palabras con la letra V así como la simbología del número 5 que representa la V en números romanos.
Cada uno de los 11 capítulos de la novela contienen en su título la letra V al menos una vez.
En la narración se utiliza en ocasiones el Pentámetro Yámbico o verso blanco inglés. Un tipo de verso de 5 pies de yambo.
Antes de que se produzca la explosión que destruye el Old Balley, se escucha el tañido de una campana 5 veces. (En este vídeo podéis comprobarlo, al igual que el ingenioso juego de palabras con "V" declamado brillantemente por Hugo Weaving).
Cuando V se presenta a Evey Hammon, en su discurso utiliza 49 palabras que comienzan con la letra V.
La firma del protagonista al estilo del Zorro, no puede ser otra que una V.
Cuando V es encerrado en Larkhill, su celda es la número 5.
En las explosiones en el Old Balley y en el Parlamento, los fuegos artificiales dibujan una V en el cielo.
El lema de V es: "Vi ver vniversum vivos vici" 5 palabras que comienza por "V" y significan: "Por el poder de la verdad, yo, estando vivo, he conquistado el universo".
Cuando V se enfrenta a Creedy en su domicilio, suena la V sinfonía de Ludwin van Beethoven. Las primeras notas de esta composición, conforman un esquema de ritmo similar al empleado para transmitir la letra V en código Morse.
En la lucha contra Creedy y sus hombres en el metro, el protagonista compone una "V" con sus dagas antes de lanzarlas contra sus oponentes (Que según su situación están formando también una "V"). Estas, una vez lanzadas, dibujan en el aire 5 veces la misma letra mientras giran, ¿Cuál?... ¡¡Sorpresa!! una "V".
Tras el enfrentamiento, V es herido de muerte y mientras, maltrecho, camina apoyado en la pared, dibuja sin querer con su sangre una "V".
Aparece en estas escena un reloj que marca las 11:05, una nueva "V", pero es que además como ya vimos en la entrada anterior, fue el cinco de Noviembre (11/05/1605) cuando Guido Fawkes estuvo a punto de lograr volar por los aires el Parlamento Inglés.
La "V" del título es una "V" de victoria, pero también fueron 5 los cabecillas de "La conspiración de la pólvora".
Y hasta aquí el especial de curiosidades sobre V de Vendetta.
LA MÚSICA.
Dentro de la banda sonora encontramos este "Street Fighting Man" de The Rolling Stones, perteneciente al album de 1968 "Beggars Banquet".
La canción está compuesta por Mick Jagger y Keith Richards y originalmente se tituló "Did everyone pay their dudes?".
La inspiración se la proporciono a Jagger el asistir a un mitin antibelicista, frente a la embajada estadounidense en Londres, protagonizado por el historiador, escritor y director de cine Tariq Ali. (Aquella protesta de unas 25.000 personas se trató de disolver con la intervención de la policía montada), así como los movimientos estudiantiles que conducirían al Mayo del 68 francés.
Gracias por leer estas líneas y espero que os haya gustado. Os dejo que disfrutéis del reconocible sonido Stones de esta canción.
Continuando con el especial música y cine de superhérores, vamos a sumergirnos hoy en V de Vendetta y la pieza que sirve de colofón a la narración de la historia de V, su protagonista.
Puede que algunos no hayan visto la película aún por su juventud (de ser así no veáis el vídeo para que no os destripe la película) y de los que sí la han visto, puede que algunos no consideren a V como un superhéroe. A estos últimos tampoco les parecerá un superhéroe Batman, pero no vamos a liarnos con ese debate.
La película es de esas que merece la penar ver por el juego que da para filosofar durante horas con amigos, así que es muy recomendable.
Pero antes de hablar de la Obertura 1812 vamos a repasar un poco de historia.
EL PERSONAJE.
La archiconocida máscara que porta el protagonista de la película, está inspirada en los rasgos de Guy Fawkes, uno de los personajes más odiados en Inglaterra.
¿Por qué? os preguntaréis.
Tenemos que remontarnos al siglo XVII cuando Fawkes junto a Robert Catesby, Thomas Winter, Thomas Percy y John Wright, pretendían lograr del rey protestante Jacobo I y su gobierno, una mayor tolerancia hacia la religión católica en el Inglaterra (El rey había ordenado por entonces que todos los sacerdotes católicos abandonaran el país).
Para lograr el respeto hacia la comunidad católica inglesa, a estos cinco personajes se les ocurrió terminar por lo sano con el rey y todo su gobierno. De esta forma un nuevo gobierno ante lo ocurrido, estaría más receptivo a las peticiones de los católicos romanos.
¿Cómo lo lograrían? Mediante lo que se denominó "La conspiración de la pólvora".
El plan era hacer explosionar 800Kg de pólvora repartidos en 36 barriles situados en los sótanos del parlamento británico.
Para ello necesitaban a Fawkes puesto que éste había combatido durante algún tiempo a las órdenes del archiduque Alberto de Austria bajo pabellón español en los Países Bajos, donde había aprendido a manejar explosivos.
Alquilaron un casa cerca del parlamento. Llevaron ocultos bajo carbón y leña los 36 barriles y los dejaron en los sótanos de la cámara de los Lores.
Guy Fawkes se quedó junto a los barriles para encender la mecha y... en el último momento fue descubierto por un grupo de guardias que revisaban la bodega a última hora.
Fue capturado, llevado a la torre de Londres y torturado para que delatara a sus cómplices (Algo que al parecer no hizo). Se le condenó a muerte pero estando en el patíbulo, antes de que lo castraran, lo desmembraran y colgaran (algo bastante frecuente en aquella época) el bueno de Fawkes no les dio el gusto y se tiró de cabeza matándose al partirse el cuello.
Desde aquel 5 de Noviembre de 1605 día en que se abortó "La conspiración de la pólvora", el rey decretó que cada 5 de Noviembre se celebrara el fracaso de la misma quemando una efigie de Fawkes y por eso a esa cita anual se la denomina la "Noche de Guy Fawkes" o "Noche de las hogueras".
La última curiosidad que os cuento hoy, sobre este personaje, hace referencia a su nombre y es que nuestro amigo Fawkes visitó en 1603 la corte española de Felipe III para recabar su apoyo en la lucha contra el protestantismo anglosajón. Durante este viaje Guy latinizó su nombre, pasando a llamarse Guido Fawkes, de ahí que podáis encontrar información de Fawkes con uno u otro nombre. Por cierto, como podréis imaginar, la corona española no le dio el apoyo solicitado ya que la política exterior de Felipe III en ese momento era la de tratar de llegar a un entendimiento con los británicos.
LA MÚSICA.
La pieza por antonomasia de la película está escrita por el músico ruso Piotr Ilich Chaikovski en 1880, una partitura que serviría de conmemoración de la victoria de la resistencia rusa en 1812 frente a las tropas de la gran armada de Napoleón. Para lograr el componente grandilocuente y épico, empleó, para el clímax de la composición, auténticos cañones y campanas, algo que según escuchamos nos traslada de inmediato a un campo de batalla.
La obertura se estrenó el 20 de Agosto de 1882 en Moscú, bajo la batuta de Ippolit Al´tan y cerca de la aún por entonces inacabada Catedral de Cristo Salvador.
Una curiosidad sobre esta pieza es que el propio Chaikovski la interpretó en la inauguración del Carnegie Hall de Nueva York el 5 de Mayo de 1891.
Deadpool y Deadpool 2, son dos de mis películas favoritas de superhéroes, muy entretenidas, bien narradas y cargadas de humor gamberro (Hacía mucho tiempo que no me reía tanto con una película en el cine como con Deadpool 2). En cuanto a la música, ambas partes cuentan con una banda sonora fantástica cargadas de grandes clásicos que encajan como anillo al dedo o de forma surrealista con las diferentes escenas que nos iremos encontrando a lo largo del metraje de las dos películas. En este caso os dejo el tema elegido para acompañar el salto en parapente de Deadpool 2, que no es otro que el Thunderstruck de los AC/DC.
Esta canción pertenece al álbum de la banda australiana "The Razors Edge" de 1990, un tema que alcanzó el quinto puesto en del Billboard estadounidense, convirtiéndose con el tiempo en una de las piezas más famosas y reconocibles de la banda.
Como curiosidad os diré que el nacimiento de esta canción no fue a raíz de una letra fantástica a la que hubiera que poner música sino, como a lo largo de la historia de la música ha pasado en otras ocasiones, lo primero que surgió de las manos de Angus Young fue el riff que escuchamos al comienzo del tema sobre el que se construyó el resto.
Hace cinco días que me enteré de la existencia de la cuenta La Hoguera de Gotham , gracias a una tendencia en Twitter en la que se hablaba de que Ben Affleck estaba en conversaciones con Warner Bros para retomar su proyecto sobre Batman.
Mi primera reacción fue parpadear dos veces, luego activé el botón del escepticismo, busqué información sobre el canal que había levantado la perdiz y esperé hasta el día siguiente por si todo hubiera resultado ser un sueño.
Al día siguiente, el lunes 25, busqué el canal de Youtube de La Hoguera de Gotham y veo un PEDAZO VÍDEO que acababan de publicar de CUATRO horas y catorce minutos sobre el tema de Affleck en cuestión, sobre que Henry Kavill también estaba negociando con Warner para retomar las riendas de su emblemático Superman, que David Ayer estaba tratando de seguir la senda de Zack Snyder para sacar adelante su verdadera visión sobre Escuadrón Suicida... Vamos, que no sé de donde carajo sacarían la información en el canal, pero como si de Nostradamus se tratara, la cascada de noticias que se han ido revelando por diferentes medios de ámbito nacional e internacional en los sucesivos días, le ha ido dando la razón punto por punto.
FELICIDADES HOGUERA DE GOTHAM POR LA EXCLUSIVA, tuyo es el mérito de proporcionar estos NOTICIONES.
En cuanto al momento musical de la entrada, hoy os dejo con la introducción de la película Justice League en la que suena el tema de Leonard Cohen "Everybody Knows" versionado por la cantante y compositora noruega Sigrid.
Una versión fantástica para acompañar esta entrada que quería escribir en reconocimiento a los espacios pequeños de información, comunicación y entretenimiento, como La Hoguera de Gotham, que con cariño, humildad, dedicación altruista y sin afán de notoriedad facilona, trata temas de diversa índole.
Hace una semana se confirmó que Zack Snyder realizará lo que se ha denominado el Zack Snyder Cut de su película "Justice League", para HBO Max.
Una gran noticia para todos aquellos que disfrutamos de la versión estrenada en 2017.
Referente a la música, "Liga de la Justicia" contó en su estreno con una buena banda sonora en la que me llamó la atención sobre todo dos temas musicales. Sendos temas son versiones de clásicos siendo el primero este que voy a comentar hoy.
Como habréis leído en el título de la entrada, se trata del "Come Together" de The Beatles en la versión realizada por Gary Clark Jr.
Gary es un músico de Austin que además de realizar sus propias composiciones, ha colaborado con músicos como Alicia Keys, Jackson 5, Sheryl Crow o Foo Fighters.
Su música tiene el sonido puro del rock más elemental, recordando en ocasiones al rasgueo guitarrero de Eric Clapton en alguna de sus composiciones. En otras te recordará a Jimmy Hendrix.
Ese sonido de guitarra intensa, densa, e innegablemente rockera es el que le ha proporcionado al "Come Together" de la banda de Liverpool, endureciendo su sonido y convirtiendo su versión en un trabajo a tener en cuenta.
Hace tanto tiempo que no escribo nada en este blog, que me resulta casi extraño teclear esta nueva entrada.
El motivo es el lanzamiento del segundo trailer de la próxima película de Guy Ritchie que lleva por título "King Arthur: Legend Of The Sword".
Si el primer Trailer contaba con unas imágenes y banda sonora que eran ESPECTACULARES haciendo las delicias de los amantes de la leyenda artúrica como es un servidor:
Este segundo Trailer con un tema musical aún más potente, mezclado con esa estética tan rotunda del bueno de Ritchie, hace que este avance sea simplemente... ACOJONANTE.
Pero vamos con lo que nos interesa en este blog. La música.
El tema principal del primer trailer pertenece a Sam Lee y lleva por título "The Wild Wild Berry".
Sam Lee es un joven músico británico nacido en 1980 y especializado en música folk, que recopila, revisiona y difunde la música ancestral británica e irlandesa, centrándose sobre todo en las melodías provenientes de la cultura gitana romaní británica, así como la de los distintos pueblos nómadas irlandeses.
Tras seis años de concienzudo estudio de estos vestigios musicales, lanzó su primer álbum en 2012 "Ground of its own", al que siguieron otros dos trabajos "More for to rise" de 2014 y el más reciente "The fade in time" de 2015.
(No sé vosotros pero tras conocer su trabajo, tengo apuntado en mi lista de próximas adquisiciones musicales uno de estos trabajos.)
En cuanto al tema que viste musicalmente hablando las imágenes del segundo trailer, no es otro que "Babe I´m Gonna Leave You" de los míticos Led Zeppelin, un TEMAZO que no conocía hasta ahora y que automáticamente pasa a formar parte de mi lista de imprescindibles.
Espero haber saciado vuestra curiosidad melómano-cinematográfica.
El comienzo de las pelis de Star Wars me viene como anillo al dedo para comenzar esta entrada, pues hacía mucho tiempo que no publicaba nada.
Ya se ha preestrenado la nueva entrega de Star Wars "The Force Awakens" en los USA y hoy lo hacía en Londres en la premier europea y de momento las críticas son buenas lo que ha hecho aumentar la venta anticipada de entradas alcanzando los 100 millones de dólares recaudados antes de su estreno, vamos, una auténtica locura.
El que suscribe no la verá hasta el día 27 así que desde este Viernes comenzará para mí una auténtica carrera de obstáculos para que nadie me destripe la trama de lo nuevo de JJ Abrams.
De momento para hacer más entretenida la espera, os dejo con los temas más conocidos de la saga galáctica interpretados a capella por Jimmy Fallon, los Roots y los actores principales de esta nueva entrega.
Si aún no sabes qué es Kung Fury es que no eres de los 80 y has tenido una pobre infancia.
Kung Fury es un cortometraje de 31 minutos de duración creado por David Sandberg gracias a una campaña de crowdfunding en Kickstarter con la que logró recaudar algo más de 600.000€.
En esta pequeña locura encontramos a un agente de policía que tras perder a su compañero a manos de un maestro del Kung Fu, es picado por una cobra mientras le cae un rayo, adquiriendo así los conocimientos milenarios de un estilo de Kung Fu tan poderoso, según cuenta la profecía, que tan sólo el elegido puede dominarlo.
Desde ese momento este héroe, este "portento kung-fu de la naturaleza", decide utilizar su gran poder para defender la justicia en el mundo, siendo su gran enemigo "Kung Führer".
En esta película podemos ver nazis, dinosaurios, ladrillófonos móviles, vikingas, viajes en el tiempo, dioses mitológicos, dibujos animados, peleas imposibles... todo al son de una banda sonora de sintetizadores al más puros estilo de los 80, con una estética propia de series como corrupción en Miami, películas míticas como Super Detective en Hollywood o incluso videojuegos de los de antes tipo Double Dragon.
La cinta para que tenga aún más sabor ochenteno tiene un color de antaño que te mueres y en la reproducción de la misma verás como el sonido se desvirtúa en algunos momentos, se ve borrosa la parte inferior de la imagen y como en determinados momentos el tracking falla como en aquellos VHS que teníamos en casa machacados de tanto reproducirlos.
Y para remate de fiesta tenemos la colaboración especial de uno de los iconos de aquella década dorada interpretando el tema principal de la película. (Sí, hasta ese punto se han currado este corto)
¿Que quién es? Pues no es otro que Michael Knight o lo que es lo mismo, David Hasselhoff que interpreta "True Survivor", una canción que tiene todos los componentes característicos de las canciones de las series y películas de los ochenta, en la que predominan teclados, sintetizadores, baterías e incluso, si tienes el oído un poco atento, lograrás escuchar una base rítmica muy simple similar a aquellas que te venían por defecto en el típico órgano de ocho pistas que te podían regalar por reyes o en tu primera comunión.
Vamos que si no conoces el corto y te ponen esta canción en la radio... te tragas que es una canción que desconocías del bueno de Hasselhoff de antaño.
Pero si tenemos una película repleta de acción en la que el prota es una mezcla del Riu de Street Fighter y el Tom Cruse de Top Gun, y tenemos una canción interpretada por David Hasellhoff que interpreta el tema principal de una banda sonora original que también se puede conseguir... ¿Qué más nos podía faltar para alcanzar el paroxismo ochenteno absoluto?.
Pues no podía ser otra cosa que un videojuego basado en la peli. (Ahora es cuando más de uno dice: ¿Pero qué me estás contando colega?).
Pues sí, existe y ya estás tardando en descargártelo para Android e iOS. Lleva por título Kung Fury: Street Rage y es la guinda de este pastel nostálgico que ha compuesto David Sandberg.
Un juego en el que la pantalla es curva como en aquellas máquinas recreativas arcade, y en el que para comenzar a jugar te aparece el mítico mensaje de "Insert Coin". (Cuando ves esto piensas: "DIOOOOOS este juego mola").
No busquéis complicaciones ya que el juego consiste en terminar con enemigos que te irán apareciendo por ambos lados y tus controles serán dos botones, uno para atacar a la derecha y otro para atacar a la izquierda. Fácil ¿No?. Pues sólo tienes tres vidas y tienes que ser muy habilidoso para no morir antes de los 2800 puntos.
Un gran corto, una buena banda sonora, un juego para nostálgicos de los arcade... A estas alturas sólo se puede decir: Felicidades Sandberg y mi más sentida enhorabuena por llevar a cabo esta joya que desde ya es un clásico del universo friki nostálgico.
Ah! por cierto.
Si os habéis flipado, en su página web tienen desde posters, pasando por la B.S.O. hasta camisetas.
La semana pasada se estrenó "Mad Max Fury Road" la cuarta entrega de la historia postapocalíptica que lanzó a la fama mundial a aquel jovencísimo Mel Gibson en 1979.
Esta saga nunca me gustó lo suficiente como para ver dos veces alguna de sus entregas y el hecho de acudir al estreno de esta continuación vino dado por lo espectacular de las imágenes de su bien montado trailer.
La película está dirigida por el cineasta australiano George Miller, director también de las entregas anteriores, que tiene en su filmografía películas que van desde la saga de violencia pura que nos ocupa, pasando por "Dead Calm" (calma total para nosotros en la que podíamos ver a una aún no operada Nicole Kidman) llegando a atreverse con experimentos como "Babe" el cerdito valiente e incluso con la animación en Happy Feet. Lo que viene a ser un director todo terreno.
"Fury Road" tiene una trama y un planteamiento muy simple ya que la película no deja de ser una persecución y nada más, pero en manos de George Miller la simpleza se transforma en entretenimiento de principio a fin y espectáculo puro, con un tratamiento de las imágenes excepcional y potente que deja estampas para la memoria del cine, unos cambios de plano ajustados al milímetro para no perder detalle de la acción pero sin llegar a marear (se comenta que en la cinta hay más de 2000 cambios de plano en una película de unas dos horas lo que significa que la media de duración de cada plano es de uno 3,75 segundos, así que haceros una idea de lo vertiginoso de la película).
Lo que Miller ha logrado con este entretenimiento es dar una bofetada de realidad, de cómo se dirige con calidad un espectáculo con elevado presupuesto, a muchos directores actuales que pese a tener los mismo recursos, se quedan en direcciones mediocres que tiran por tierra las ilusiones de muchos espectadores.
Pero no sólo la dirección y el aspecto visual son puntos a destacar de esta furia en la carretera, sino que hay que remarcar el buen hacer de Tom Hardy (Aunque en origen el papel de este proyecto iba a ser para Heath Ledger) que logra estar a la altura de aquel Gibson de los 80, y sobre todo esa actuación de Charlize Theron haciendo de Furiosa una guerrera de la carretera que no resulta forzada como pueda pasar en otras producciones actuales con personajes de acción femeninos poco trabajados y metidos a calzador, sino que funciona como perfecta némesis de Hardy resultando en muchas ocasiones más carismática que el mismísimo Mad Max.
Muchos dirán que la película está falta de diálogos, pero serán los mismos que no vieran antaño las entregas anteriores, ya que la saga nunca se ha caracterizado por sus reflexiones filosóficas o sus diálogos metafísicos. Es una película de gestos, miradas, emociones contenidas y pocas palabras, que resulta suficiente para dibujar bien a los personajes y no interrumpir la acción.
En definitiva, Mad Max Fury Road es un entretenimiento de cabo a rabo que hay que ver en pantalla grande y por el que uno no se arrepiente de pagar la entrada.
La música está muy bien ajustada a la acción pero se echa en falta un tema tan reconocible como este "We Don´t Need Another Hero" de Tina Turner compuesta para aquel "Mad Max Beyond Thunderdome" (Más allá de la cúpula del trueno) de 1985, que para mi es la canción por antonomasia de la saga, un tema con fuerza, potencia y con un coro de niños hacia el final de la canción que redondea la composición para alzarla casi a la perfección.
¿Qué podría definir la identidad nacional de un español del siglo XXI?.
Pues... por poner algún ejemplo, factores sociales como la generosidad y picaresca de nuestra gente , factores económicos del tipo Hacienda somos todos pero unos más que otros, u otros de carácter artístico cultural como haber leído en algún momento alguna de las historietas de Mortadelo y Filemón.
Pues los amantes de las aventuras y desventuras de esta pareja atípica de superagentes secretos de la TIA, estamos de enhorabuena porque hoy sale a la venta su aventura número 200 bajo el nombre de "El Tesorero".
Mortadelo y Filemón a estas alturas de la viñeta no son únicamente parte de la vida de un españolito de a pie, sino que después de 56 años y 29 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo, la pareja de rarunos agentes secretos son también patrimonio de países como Francia, Italia, Grecia, Holanda, Brasil e incluso Alemania, donde se venden tantos Mortadelos como Asterix.
Francisco Ibáñez es un costumbrista que se asoma a la realidad nacional desde sus viñetas, caricaturizando las miserias de esta España que poco ha cambiado, en su esencia, desde los tiempos de Lázaro de Tormes.
Con ejemplares como "El Señor de los ladrillos" de 2004, "Por Isis llegó la crisis" de 2009 o "Marrullería en la alcaldía" de 2011, hemos podido comprobar cómo Ibáñez en estas últimas décadas ha afilado aún más su lápiz y agudizado su puntería a la hora de satirizar e ironizar sobre los desmanes que nos toca sufrir en este país.
En este número 200 los agentes de la TIA se enfrentarán a un nuevo caso de candente actualidad:
El Ministro del Peculio llega a la sede del Partido Papilar. El representante del Gobierno quiere disponer de "Unos milloncejos de nada para gatillos". Pero... en la cámara acorazada sólo quedan telarañas. El Tesorero ha huido con todo el dinero a las "Seis Elles, Suiza o Valdepirula del Arzobispo". Nadie sabe donde está. ¿Misión? Localizar al Tesorero.
Este es el planteamiento de la nueva historia en la que aparecen personajes como el presidente del gobierno Mamero Rojoy, el jefe de la oposición Servando Rubacalva un pequeño y calvo con gafas Ministro del Peculio, o la mismísima Demetria Coscorral amenazando con denunciar en diferido.
(El bueno de Ibáñez debería de poner en la última página de cada número que lanza aquello de... "Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia" y si no siempre podrá parafrasear a su álter ego Mortadelo diciendo aquello de: "Pero jefe... ¿Yo qué culpa tengo?).
Bueno, ¿Qué?, ¿Promete o no promete este número 200?.
Yo desde luego me voy a hacer con uno.
En cuanto a la música para esta entrada, me decanto por la canción "Me olvidé de vivir" que sirve de tema principal a la última película de Javier Fesser "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo" (Si no la habéis visto aún y sois fans de la TIA, no sé a qué esperáis para verla).
La canción de la película es una adaptación del tema creado por Pierre Billon y Jacques Revaux "J´Ai Oublié De Vivre", grabada por primera vez por Johnny Hallyday en 1977 y adaptada posteriormente por el dúo dinámico para ser cantada y popularizada por Julio Iglesias, el cual es también homenajeado por Mortadelo y Filemón en el Film.
Buf!! Vamos hoy con una entrada que podríamos denominar Muñeca Rusa, porque os voy a hablar de un tema dentro de otro tema y ese tema a su vez me da pie para otro tema... se me va la pinza un poco ¿Verdad?.
Bueno ver como sale la cosa).
Para empezar, os diré que ayer salió el trailer en español de la próxima entrega de "Misión Imposible Rogue Nation" y si no lo habéis hecho ya... ¡NO LO VEÁIS INSENSATOS!, porque es de los avances de dos minutazos y diecinueve segundos que os va a mostrar demasiado de la película y en este tipo de films cuanto menos veas, más sorpresas te llevas en el cine.
Por eso yo prefiero la versión del trailer lanzada para los USA que tan sólo dura un minuto y que es la que os dejo a continuación, mucho más sintética, pero igual de frenética y efectista.
Vais a ver en el trailer y mucha gente dará por hecho que las escenas de acción las realiza un doble de Tom Cruise. Pero os confundís, porque el bueno de Tom con sus 52 años tiene una forma física tremenda, y realiza sus propias escenas de acción incluida la que podéis ver al final enganchado al fuselaje de un avión en pleno despegue.
Sólo con este dato, uno siente las ganas de ver dónde ha puesto el actor en esta ocasión el límite, ya que en la entrega anterior lo dejó muy alto, justo en la fachada de la torre Burg de Dubai (aún me sudan las manos sólo de recordarlo).
He de reconocer que esta saga con el paso del tiempo, y al contrario de lo que pasa con otras (No voy a poner ejemplos para no ofender), va ganando en calidad e interés, siendo "Protocolo Fantasma" la mejor de las hechas hasta la fecha sin lugar a dudas. Una peli equilibrada con acción, humor y una trama interesante. Lo mismo que espero de "Nación Secreta", que llegará a nuestros cines el 31 de Julio.
En cuanto al tema principal que podemos apreciar de fondo es el "Ready or not" de "The Fugees".
The Fugees fue ese grupo que pegó bastante fuerte a mediados de los noventa y cuyo atractivo radicaba en la fusión entre el Reggae, el Hip Hop y en algunos temas algo de Soul.
Pero The Fugees tenía dos problemas:
1. Fue un grupo de los noventa, década en la que comenzaban a surgir grupos de usar y tirar. Suena duro, pero es así. Formaciones que editaban un disco a lo sumo dos y se deshacían en el humo de una industria cada vez más hambrienta de grupos nuevos que lanzar para después abandonarlos y pasar al siguiente. (Este cáncer musical aún lo sufrimos hoy día).
The Fugees sólo editaron dos trabajos "Blunted on Reality" de 1994 y "The Score" de 1996 con el que lograron dos Grammys tras lo cual... se disolvieron.
2. Lauryn Hill una chica con una voz fantástica un carisma destacable sobre los escenarios que representaba el 80% de lo bueno que poseía The Fugees.
La buena de Lauryn lanzó un trabajo en 1998 "The Miseducation of Lauryn Hill" un disco que no tiene desperdicio con el que logró fantásticas críticas y 11 nominaciones a los Grammy de los que se llevó 5.
Después de este álbum debut... se la tragó la tierra. Una pena.
Pero volviendo al tema de los Fugees que tenemos arriba, quiero que os fijéis en el comienzo de la canción. Se escucha una música suave con un tarareo en plan MMMmmmMMmm (Esto es una onomatopeya escrita ;).
Pues bien, la base que emplean en la canción es el tema de Enya Boadicea. Fugues fueron demandados por Enya por no haber solicitado autorización para su utilización, tras lo cual incluyeron en los títulos de crédito de "The Score" el nombre de la Irlandesa y pagaron religiosamente parte de los beneficios de la famosa canción.
Esta canción forma parte del álbum Enya que en 1992 se reeditaría con el nombre de "The Celts" un encargo que la BBC realizó a la Irlandesa para poner música a una serie de documentales de la cadena británica que precisamente llevaba el mismo nombre.
Bueno y hasta aquí esta entrada de "Muñeca Rusa" que empezó en Misión Imposible para hablar de The Fugees y rematar con Enya.
La película de "The Blues Brothers" (John Landis 1980), es una de esas rarezas que se han convertido en todo un mito dentro del séptimo arte.
Más allá de su calidad argumental, que resulta sencilla pero desenfadada, el film brilla por el auténtico lujo de músicos con los que cuentan como son James Brown, Ray Charls, Eric Clapton, John Lee Hooker o la mismísima Artha Franklin entre otros, tocando estilos musicales como el Soul el Jazz o el Rithm and Blues.
Hoy os dejo con este Think y una gran Aretha Franklin.
Mira que te digo, que hace poco me topé con esta curiosidad, el propio compositor de la banda sonora original de Regreso al Futuro, Alan Silvestri, dirigiendo en persona a la sinfónica de Viena haciendo un repaso a la música de las tres películas y creo que es una buena forma de comenzar el fin de semana.
No me voy a enrollar en esta ocasión con curiosidades de las películas porque estoy preparando, sin prisa pero sin pausa, un especial para el aniversario que se celebrará este año el 21 de Octubre de 2015, día al que viaja Marty Mcfly y Doc en la segunda entrega, y para entonces os daré la turra con curiosidades (Unas las sabréis, pero otras estoy seguro de que no) y buena música.
Bueno amigos y amigas, que paséis un buen fin de semana.
Hace un par de días descubrí por casualidad a esta panda de locos lúcidos, que por lo que se ve después de tener cada uno de ellos su universo laboral paralelo, se han decidido a marcarse un programa de radio en podcast dedicado a hablar, como lo harías tú con tus colegas, sobre cine, cómics, libros, series, videojuegos... vamos de todo lo que nos gusta a los setenteros ochentenos y en definitiva a todos los que tenemos al adolescente sentado en el rincón de nuestro corazón revisionando clásicos del cine, de la literatura o el cómic, mientras aparentamos ser adultos en el día a día.
Eso sí, ese adolescente sigue muy vivo, dando guerra y continúa apasionándose con películas y series de siempre e incorporando nuevos clásicos, por lo que programas como este son drogaína en vena.
El programa lo gozan (Porque escuchándolos se nota que hay colegueo) Arturo González Campos, Rodrigo Cortés, Juán Gómez Jurado y por último peno no menos importante el insigne y ocurrente andaluz El Monaguillo.
Ah! no se me olvide, para los amantes de los videojuegos cuentan con el refuerzo de Antonio Santo.
Esta tribu lleva seis podcast (El último está calentito porque lo han publicado esta mañana) y os aseguro que ninguno tiene desperdicio, porque no es un programa al uso de gente resabiada, friki a ultranza, que te cuenta curiosidades rebuscadas y rarunas como de qué marca era la tila que bebía Stephen King mientras escribía La Torre Oscura, sino que se juntan y sin guión previo hablan de lo que les gusta y eso crea una atmósfera de cercanía que pocos programas logran.
Además, el humor e ingenio ágil y en ocasiones surrealista de Monaguillo o Artuo (A los que ya conocía de su programa de onda cero "La Parroquia") así como las ocurrencias de Rodrigo Cortés, más cáustico y mordaz, y los temamos musicales que comparten, hacen que la cosa fluya y que la hora y tres cuartos de media que dura cada entrega, se hagan realmente cortas.
Yo lo hice bajando y escuchando el de "Indiana Jones y la Tautología" (Toma título) y al día siguiente ya me había bajado el resto.
Para cerrar esta entrada de hoy con el toque musical correspondiente y en honor a los "Todo Poderosos", he elegido la intro de Indiana Jones y el Templo Maldito en la que John Williams adapta el tema de Cole Porter "Anything Goes" (que da título al musical que compuso y estrenó en 1934), para darle tintes más orientales que encajen con el comienzo de la acción en el pub Obi Wan.
¿Quién la interpreta? Kate Capshaw, la mujer que más ha gritado por fotograma de la historia del cine y que se convertiría en mujer de Steven Spielberg después de la peli.
Es una gozada de comienzo que espero disfrutéis.
Buen fin de semana a todos.
Por si lee Arturo estas líneas... Estoy contigo a muerte: INDIANA JONES SON TRES PELÍCULAS. La cuarta por lo que fuera se les traspapeló a Spielberg y Lucas.
Termino hoy el especial sobre los temas principales de la Tierra Media, con la última canción que acompañará a una película de Peter Jackson sobre El Anillo.
Hace un mes que colgué la que va a ser la canción de despedida de esta epopeya, con más de 1000 minutos de metraje en cómputo global entre El Hobbit y El Señor de los Anillos, que nos ha narrado la historia del universo Tolkien.
La elección del músico y compositor de este "The Last Goodbye" para "La Batalla de los Cinco Ejércitos" ha sido, quizás, la más sencilla de todas las películas.
Billy Boyd que como os comentaba en aquel artículo más largo, ya compusiera e interpretara un tema para El Retorno del Rey, era la única opción que tanto Fran Walsh, como Philippa Boyens y Peter Jackson barajaban para la última película de El Hobbit.
En mi opinión si por algo se ha caracterizado este trío creador a lo largo de este periplo por la Tierra Media que ha abarcado dos décadas, es por tratar de unir, entrelazar y explicar de la forma más precisa posible, toda la cosmogonía que ideara el Profesor Tolkien. Esto se puede apreciar muy bien en esta última trilogía, donde se da respuesta a muchos interrogantes que pudieran surgir durante el visionado de la primera terna de películas del ESDLA. De hecho en las primeras críticas que se pueden leer estos días después de la celebración de la premiere mundial en Inglaterra, se destaca que "La Batalla de los Cinco Ejércitos" es una digna conclusión a la trilogía y un buen nexo de unión con lo narrado en "La Comunidad del Anillo".
Por este espíritu de cohesionar una obra tan compleja como esta, Jackson y compañía, tenían claro que la elección de Billy Boyd iba a suponer un nexo en lo personal y en lo musical.
Como es lógico, al conocer la noticia, Boyd manifestó que para él era un honor poder volver a participar de forma creativa en el Universo Tolkien, pero que sentía cierta tensión por la responsabilidad de crear una canción que estuviera a la altura no sólo de esta última película, sino de toda la Obra de Jackson.
Tras llegar a Nueva Zelanda y poder ver un primer montaje de la película, Boyd se reunió con Fran Walsh y Philippa Boyens comenzando a "Esculpir la canción que pensábamos que necesitaba la película".
Según Billy, "Después de llegar a varios callejones sin salida y de no encontrar el tono adecuado""No tardamos en descubrir que ésta no sólo iba a ser una canción para terminar La Batalla de los Cinco Ejércitos, sino que sería una canción para despedirse de La Tierra Media".
Y a eso suena "The Last Goodbye" , a una entrañable y sentida despedida, que de seguro, hará que a más de uno y de una, se le salten las lágrimas al terminar la película.
Que Peter Jackson es un director de cine peculiar no es ningún secreto, pero quizás entre todas esas peculiaridades hay una que destaca sobre el resto y es la de llevar al límite el tiempo dado para terminar una película (Se dice que estuvo trabajando en el montaje de EL Hobbit La Desolación de Smaug hasta la misma mañana antes de la premiere del año pasado. Vamos, como cuando teníamos que hacer algún trabajo para el instituto, que estabas retocando el mismo hasta las tantas de la madrugada del día de entrega).
Pues esto hizo que el tiempo para la creación de la canción de los títulos de crédito de la segunda entrega del Hobbit fuera de lo más escaso y apresurado.
Peter Jackson y equipo estaban dándole vueltas a quién podría componer el tema final de los títulos de crédito sin dar con ningún músico que les convenciera.
Entonces ¿Cómo terminaron por encargar el trabajo a Ed?
Resulta que a principios de 2013, Ed Sheeran estaba de gira por Nueva Zelanda junto a Taylor Swift. La hija de Peter Jackson es fan de la música de Sheehan y le dejó a su padre varios temas para que los escuchara. A Jackson le gustó el sentimiento y la pasión que transmitían sus composiciones, así que decidió invitarlo a que conociera los estudios de grabación de la película. Después de la visita se intercambiaron los correos electrónicos y todo quedó ahí, hasta que meses más tarde y con muy poco tiempo para grabar el tema de los títulos de crédito, Peter Jackson le llamó porque tenía claro el tono que quería para la canción y consideraba que Sheeran eran perfecto para proporcionarlo.
Así que tras la llamada recibida aquel Domingo de Octubre de 2013, en 48h el bueno de Ed Sheeran había cogido a su manager Stuart Camp y estaba plantado en Wellington dispuesto a ver la película en un pase privado en Park Road Postproduction.
Inmediatamente después de terminar el visionado, se fue a su habitación de hotel, se encerró y comenzó a escribir. Ese mismo día compuso la canción y tres días más tarde el tema estaba totalmente terminado y grabado.
Todo salió a la perfección y en un tiempo récord.
Como dato anecdótico de la canción os diré, que al bueno de Ed se le ocurrió que para este tema acústico vendría bien introducir un violín que le diera un toque más folk, así que la hija de Peter Jackson salió corriendo para pedirle su violín maltrecho a un viejo compañero del colegio, se lo llevó a Sheeran y lo incorporó a la grabación. Hasta aquí, una historia bastante normal. Lo que no es normal es que hasta la grabación de "I See Fire", Ed no hubiera tocado un violín en su vida. (No se vosotros, pero yo lo flipo).
Y una última curiosidad. La canción dura exactamente 5 minutos.
Para la primera entrega del Hobbit (Un Viaje Inesperado), Peter Jackson y compañía decidieron confiar la creación del tema que cerraría la película a un Neozelandes, Neil Finn. Un cantante y compositor con una larga trayectoria musical a sus espaldas en grupos como Split Enz o Finn Brothers. Pero seguro que el grupo que más os sonará de los que participó es Crowded House, con temas tan míticos de los 80 como Don´t Dream It´s Over o Weather With You.
Pues para el Hobbit el bueno de Finn compuso un auténtico TEMAZO en el que se refleja a la perfección el espíritu de los Enanos de la película, usando coros, sonidos de cadenas, martillos golpeando... que logran hacerte imaginar a esos pequeños personajes excavando más y más profundo en la oscuridad de la montaña hasta dar con el corazón de la misma (The Arkenston).
Si bien es cierto que acostumbrados a las creaciones más clásicas realizadas para la trilogía del Señor de los Anillos, ésta supuso que muchos fans no vieran con buenos ojos (o escucharan con buenos oídos) esta canción por su tono más Pop.
Pero a mi, desde que la escuché por primera vez, me pareció un buen contrapunto y un toque original, distinto. Eso sí, lo que me parece raro, raro, raro, es el final del tema, que es largo de narices y no tiene nada que ver con el resto del tema (Para que lo podáis comprobar os dejo la pieza extraída del Album de la B.S.O.).
Continuamos con el especial de estos días y vamos hoy con la canción que supuso la primera despedida de La Tierra Media, y que pudimos disfrutar durante los títulos de crédito de El Señor de los Anillos, El Retorno del Rey.
"Into The West" es un tema cuya composición corrió por cuenta de Howard Shore, Fran Walsh y Annie Lennox y que fue nominada en 2004 a los Oscar como mejor canción original, siendo la única canción de todas las compuestas hasta la fecha para las pelis sobre la Tierra Media que al final ha logrado ganarlo.
También logro un Grammy a la mejor canción escrita para una película, serie de televisión o medio audiovisual en 2005 (Joder qué título más largo).
Por lo que he podido leer y como dato curioso os diré, que este canto de despedida por parte de Galadriel para aquellos que zarpan hacia el poniente (Ya sabéis, Elfos y los amigos Bilbo y Frodo), es también un canto de despedida (Según comenta Peter Jackson en los apéndices de las ediciones en DVD) para un joven realizador Neozelandés (Cámeron Duncan), que murió en 2004 de Cáncer y por cuyo trabajo Jackson sentía especial aprecio. De hecho, la canción se interpretó por primera vez en público, en el funeral de Duncan.
Vamos con el tema de los títulos de crédito de la segunda entrega de El Señor de los Anillos, Las Dos Torres, continuando con este especial sobre las canciones de La Tierra Media.
La historia de esta canción, es una historia de casualidades (Como tantas otras).
El tema está compuesto por Howard Shore con letra de Fran Walsh y éstos buscaban un acento islandés para el mismo, por lo que su primera opción fue Björk pero en aquel momento la cantante estaba embarazada a un mes de dar a luz, por lo que declinó el encargo de escribir la letra, así que Shore y el equipo de producción tuvieron que pensar en una opción convincente en muy poco tiempo y que fuera del estilo de Björk.
Barajaron diversos nombres y finalmente se decantaron por la también Islandesa Emiliana Torrini, una desconocida para el gran público, pero que resultó ser un acierto al final.
Como curiosidad os diré, que todo este follón sucedió tan in extremis, que incluso en los títulos de crédito se pudo leer en el cine que la vocalista de la canción era Björk en lugar de Torrini. Hubo que esperar a las ediciones en DVD para ver reflejado el nombre de Emiliana Torrini como intérprete de este "Gollum´s Song".
Por cierto, la Torrini es una Friki del Señor de los Anillos... Se lo ha leído hasta en cuatro ocasiones.
Al final esta fantástica casualidad supuso que Emiliana Torrini fuera conocida en todo el mundo, algo que ella siempre ha reconocido.
Ah! por si queréis escuchar algo más de ella, os dejo este tema superanimado que seguro que os alegra este frío Martes dos de Diciembre. Clicad den el enlace y disfrutad de Jungle Drum perteneciente a su disco "Me and Armini" publicado en 2008 y que es su último Lp hasta la fecha.
